Основные достижения русской культуры XIX века: романтизм в России; корни русского романтизма; русская национальная музыкальная школа и живопись во второй половине XIX века

облаках, красные отсветы зари на белых стенах украинских хат, косые

утренние лучи, пробившиеся сквозь туман и играющие в лужицах на раскисшей

дороге, — эти и многие другие живописные открытия запечатлены на его

полотнах.

Своей вершины русская пейзажная живопись XIX века достигла в творчестве

ученика Саврасова Исаака Ильича Левитана (1860—1900). Левитан — мастер

спокойных, тихих пейзажей Человек очень робкий, стеснительный и ранимый, он

умел отдыхать только наедине с природой, проникаясь настроением

полюбившегося пейзажа.

Однажды приехал он на Волгу писать солнце, воздух и речные просторы. Но

солнца не было, по небу ползли бесконечные тучи, и прекращались унылые

дожди. Художник нервничал, пока не втянулся в эту погоду и не обнаружил

особую прелесть сиреневых красок русского ненастья. С той поры Верхняя

Волга заштатный городок Плес прочно вошли в его творчество. В тех краях он

создал свои «дождливые» работы: «После дождя», «Хмурый день», «Над вечным

покоем». Там же были написаны умиротворенные вечерние пейзажи: «Вечер на

Волге», «Вечер. Золотой плес», «Вечерний звон», «Тихая обитель».

В последние годы жизни Левитан обратил внимание на творчество

французских художников-импрессионистов (Э. Мане, К. Моне, К. Писарро). Он

понял, что у него с ними много общего, что их творческие поиски шли в том

же направлении. Как и они, он предпочитал работать не в мастерской, а на

воздухе (на пленэре, как говорят художники). Как и они, он высветлил

палитру, изгнав темные, землистые краски. Как и они, он стремился

запечатлеть мимолетность бытия, передать движения света и воздуха. В этом

они пошли дальше его, но почти растворили в световоздушных потоках объемные

формы (дома, деревья). Он избежал этого.

«Картины Левитана требуют медленного рассматривания, — писал большой

знаток его творчества К. Г. Паустовский, — Они не ошеломляют глаз. Они

скромны и точны, подобно чеховским рассказам, но чем дольше вглядываешься в

них, тем все милее становится тишина провинциальных посадов, знакомых рек и

проселков».

На вторую половину XIX в. приходится творческий расцвет И. Е. Репина,

В. И. Сурикова и В. А. Серова.

Илья Ефимович Репин (1844—1930) родился в городе Чугуев, в семье

военного поселенца. Ему удалось поступить в Академию художеств, где его

учителем стал П. П. Чистяков, воспитавший целую плеяду знаменитых

художников (В. И. Сурикова, В. М. Васнецова, М.А. Врубеля, В.А. Серова).

Многому научился Репин также у Крамского. В 1870 г. молодой художник

совершил путешествие по Волге. Многочисленные этюды, привезенные из

путешествия, он использовал для картины «Бурлаки на Волге» (1872). Она

произвела сильное впечатление на общественность. Автор сразу выдвинулся в

ряды самых известных мастеров.

Репин был очень разносторонним художником. Его кисти принадлежит ряд

монументальных жанровых полотен. Пожалуй, не меньшее впечатление, чем

«Бурлаки», производит «Крестный ход в Курской губернии». Яркое голубое

небо, пронизанные солнцем облака дорожной пыли, золотое сияние крестов и

облачений, полиция, простой народ и калеки — все уместилось на этом

полотне: величие, сила, немощь и боль России.

Во многих картинах Репина затрагивалась революционная тематика («Отказ

от исповеди», «Не ждали», «Арест пропагандиста»). Революционеры на его

картинах держатся просто и естественно, чуждаясь театральных поз и жестов.

На картине «Отказ от исповеди» приговоренный к смерти словно бы нарочно

спрятал руки в рукава. Художник явно сочувствовал героям своих картин.

Ряд репинских полотен написан на исторические темы («Иван Грозный и его

сын Иван», «Запорожцы, сочиняющие письмо турецкому султану» и др.). Репин

создал целую галерею портретов. Он написал портреты - ученых (Пирогова и

Сеченова), - писателей Толстого, Тургенева и Гаршина, - композиторов Глинки

и Мусоргского, - художников Крамского и Сурикова. В начале XX в. он получил

заказ на картину «Торжественное заседание Государственного совета».

Художнику удалось не только композиционно разместить на полотне такое

большое число присутствующих, но и дать психологическую характеристику

многим их них. Среди них были такие известные деятели, как С.Ю. Витте, К.П.

Победоносцев, П.П. Семенов Тян-Шанский. Малозаметен на картине, но очень

тонко выписан Николай II.

Василий Иванович Суриков (1848—1916) родился в Красноярске, в казачьей

семье. Расцвет его творчества приходится на 80-е гг., когда он создал три

самые знаменитые свои исторические картины: «Утро стрелецкой казни»,

«Меншиков в Березове» и «Боярыня Морозова».

Суриков хорошо знал быт и нравы прошлых эпох, умел давать яркие

психологические характеристики. Кроме того, он был прекрасным колористом

(мастером цвета). Достаточно вспомнить ослепительно свежий, искрящийся снег

в картине «Боярыня Морозова». Если же подойти к полотну поближе, снег как

бы «рассыпается» на синие, голубые, розовые мазки. Этот живописный прием,

когда два три разных мазка на расстоянии сливаются и дают нужный цвет,

широко использовали французские импрессионисты.

Валентин Александрович Серов (1865—1911), сын композитора, писал

пейзажи, полотна на исторические темы, работал как театральный художник. Но

славу ему принесли, прежде всего, портреты.

В 1887 г. 22-летний Серов отдыхал в Абрамцеве, подмосковной даче

мецената С. И. Мамонтова. Среди его многочисленных детей молодой художник

был своим человеком, участником их шумных игр. Однажды после обеда в

столовой случайно задержались двое — Серов и 12-летняя Веруша Мамонтова.

Они сидели за столом, на котором остались персики, и за разговором Веруша

не заметила, как художник начал набрасывать ее портрет. Работа растянулась

на месяц, и Веруша сердилась, что Антон (так по-домашнему звали Серова)

заставляет ее часами сидеть в столовой.

В начале сентября «Девочка с персиками» была закончена. Несмотря на

небольшой размер, картина, написанная в розово золотистых тонах, казалась

очень «просторной». В ней было много света и воздуха. Девочка, присевшая за

стол как бы на минуту и остановившая свой взор на зрителе, зачаровывала

ясностью и одухотворенностью. Да и все полотно было овеяно чисто детским

восприятием повседневности, когда счастье себя не сознает, а впереди —

целая жизнь.

Обитатели «абрамцевского» дома, конечно, понимали, что на их глазах

свершилось чудо. Но только время дает окончательные оценки. Оно и поставило

«Девочку с персиками» в ряд лучших портретных работ в русской и мировой

живописи.

На следующий год Серов сумел почти повторить свое волшебство. Он

написал портрет своей сестры Марии Симонович («Девушка, освещенная

солнцем»). Название закрепилось немного неточное: девушка сидит в тени, а

лучами утреннего солнца освещена поляна на втором плане. Но на картине все

так слитно, так едино — утро, солнце, лето, молодость и красота, — что

лучшее название трудно придумать.

Серов стал модным портретистом. Перед ним позировали известные

писатели, артисты, художники, предприниматели, аристократы, даже цари. По-

видимому, не ко всем, кого он писал, лежала у него душа. Некоторые

великосветские портреты, при филигранной технике исполнения, получились

холодными.

Несколько лет Серов преподавал в Московском училище живописи, ваяния и

зодчества. Он был требовательным педагогом. Противник застывших форм

живописи, Серов вместе с тем считал, что творческие поиски должны

основываться на твердом владении техникой рисунка и живописного письма.

Многие выдающиеся мастера считали себя учениками Серова. Это - М.С. Сарьян,

К.Ф. Юон, П.В. Кузнецов, К. С. Петров-Водкин.

Многие картины Репина, Сурикова, Левитана, Серова, «передвижников»

попали в собрание Третьякова. Павел Михайлович Третьяков (1832—1898),

представитель старинного московского купеческого рода, был необычным

человеком. Худой и высокий, с окладистой бородой и тихим голосом, он больше

походил на святого, чем на купца. Собирать картины русских художников начал

с 1856 г. Увлечение переросло в главное дело жизни. В начале 90-х гг.

собрание достигло уровня музея, поглотив почти все состояние собирателя.

Позднее оно перешло в собственность Москвы. Третьяковская галерея стала

всемирно известным музеем русской живописи, графики и скульптуры.

В 1898 г. в Петербурге, в Михайловском дворце (творение К. Росси) был

открыт Русский музей. В него поступили произведения русских художников из

Эрмитажа, Академии художеств и некоторых императорских дворцов. Открытие

этих двух музеев как бы увенчало достижения русской живописи XIX века.

Русская национальная музыка

создание национальной русской музыки. С чьими именами связано это

важнейшее дело.

Дело создания национальной русской музыки, начатое М. И. Глинкой, в

середине XIX в. было еще далеко не закончено. На оперных сценах по-прежнему

тон задавали итальянские артисты, в концертных залах почти не звучала

русская музыка.

В 60-е гг. в Петербурге сплотилась небольшая группа композиторов,

поставившая перед собой цель продолжить дело М. И. Глинки. Впоследствии эту

группу прозвали «могучей кучкой». Ее душой, главным организатором и

теоретиком был Милий Алексеевич Балакирев (1836—1910). В 1866 г., после

кропотливой работы, он издал «Сборник русских народных песен». В состав

«могучей кучки» входили - М. П. Мусоргский, Н. А. Римский-Корсаков, А. П.

Бородин.

В 1873 г. была поставлена «Псковитянка» — первая опера Николая

Андреевича Римского-Корсакова (1844—1908). Она занимает особое место в его

творчестве. По силе и глубине музыкального драматизма «Псковитянка»

превосходит почти все другие его оперы. По верности же и последовательности

в проведении национального колорита она стала в один ряд с операми Глинки.

Народными песенными мелодиями пронизана вся музыка «Псковитянки», с особой

силой они звучат во втором акте, где изображается псковское вече. Многие

другие оперы Римского-Корсакова написаны на сказочные сюжеты. Акварельной

прозрачностью отличается музыка «Снегурочки», грустной сказки о весне и

первой любви.

Музыкальная драма занимала главное место в творчестве Модеста Петровича

Мусоргского (1839—1881). Влечение к музыке он почувствовал с шести лет. Но

профессия музыканта считалась недостойной дворянина. Мусоргского отдали в

Школу гвардейских подпрапорщиков (в которой когда-то учился Лермонтов).

Мусоргский не забывал о музыке, брал частные уроки, а после знакомства с

Даргомыжским и Балакиревым вышел в отставку и целиком посвятил себя

любимому делу. В 1869 г. он предложил дирекции императорских театров оперу

«Борис Годунов» (по драме Пушкина). В 1874 г. она была поставлена в

петербургском Мариинском театре.

Постановка не имела успеха. Публика, привыкшая к итальянской опере,

оказалась не готовой к восприятию русской музыкальной драмы. Критики

осыпали насмешками творение Мусоргского, преувеличивая недостатки и

замалчивая достоинства. У композитора наступила длительная депрессия,

связанная с непризнанием его творчества, одиночеством, бедностью. Умер он в

солдатском госпитале.

Мусоргский оставил незаконченной музыкальную драму «Хованщина» (из

эпохи стрелецких бунтов при Петре I). Римский-Корсаков привел в порядок

рукописи Мусоргского и по возможности доработал его произведение. Некоторые

места в «Хованщине» (например, «Рассвет над Москвой-рекой») необыкновенно

красивы. Кульминационные сцены полны захватывающего драматизма. «Борис

Годунов» и «Хованщина» многие годы не сходят с оперных подмостков в нашей

стране и за рубежом.

«Князь Игорь», единственная опера Александра Порфирьевича Бородина

(1833—1887), была поставлена после его смерти. Опера отличается

правдивостью и красотой национального колорита, которому

противопоставляется восточный (половецкий) колорит.

Бородин был профессором химии, музыкой же занимался в немногие часы

досуга. Тем удивительнее та легкость, с которой он решал сложные

музыкальные задачи и в опере, и в симфониях (вторую его симфонию критики

назвали «Богатырской»). Бородин стремился к широте и эпичности музыкального

повествования. Это не лишало его музыку задушевности и тонкой лиричности.

Деятельность «могучей кучки» — настолько яркое явление в русской

культуре, что современники говорили о «музыкальной революции» 60—70-х гг. С

блеском справившись с поставленной задачей, «могучая кучка» окончательно

утвердила в музыке русские национальные начала.

Петр Ильич Чайковский (1840—1893) не входил в «могучую кучку». Он

тяготел к общеевропейским музыкальным формам, в его музыке чувствуется

принадлежность к русской школе. Музыку Чайковского знают все. Во всём мире

любители музыки восхищаются его операми и симфоническими произведениями.

Его справедливо относят к числу величайших композиторов мира, а в Москве

каждые два года проводится Международный конкурс, который носит его имя.

Кумиром Чайковского был Моцарт, являвшийся по глубокому убеждению

композитора, высшей, кульминационной точкой, «до которой красота досягала в

сфере музыки». Идеалом для себя почитал Петр Ильич полифоническое

мастерство великого мастера, обладавшего «способностью из ничтожного

материала строить колоссальные здания», его умение «при самых сложных

контрапунктических комбинациях, при самом широком симфоническом развитии

тем и неисчерпаемом богатстве чередующихся эффектов контраста».

Чайковский восхищался Бетховеном, который также мог «из простой, но

чреватой бесчисленными гармонико - ритмическими комбинациями основной мысли

возвести громадное музыкальное здание, поражающее и красивостью общего

вида, и законченностью деталей, несмотря на разнообразие и контрасты в

отдельных частях, проникнутое единством основного мотива».

Зимние каникулы 1867 - 68 года Петр Ильич провел у родных в Петербурге.

Там он познакомился с петербургским композитором, дирижером и пианистом

М.А. Балакиревым, приехавшим в январе 1868-го в Москву. Знакомство было

началом дружеских и творческих отношений музыкантов на долгие годы.

Когда Петр Ильич в апреле того же года был в Петербурге, Милий

Алексеевич познакомил его с членами возглавляемой им «Могучей кучки» - Н.А.

Римским-Корсаковым, А.П. Бородиным, М.П. Мусоргским, Ц.А. Кюи.

Считая петербургских композиторов очень талантливыми, Чайковский не

разделял их «ужасного самомнения и чисто дилетантской уверенности в своём

превосходстве над остальным миром», пренебрежения к основам

профессионального музыкального образования, презрения к академической школе

и к классической музыке.

Вскоре, несмотря на различие творческих взглядов Николая Андреевича и

Петра Ильича, между ними установились дружеские отношения. И когда Римский-

Корсаков, поняв необходимость профессионального образования, стал усиленно

изучать теорию музыки и композицию, то обратился за помощью к московскому

другу.

В 1869 году Петр Ильич Чайковский создает увертюру-фантазию «Ромео и

Джульетта», произведение, которому суждено было стать всемирно известным

шедевром.

7 марта 1870 года Чайковский присутствовал на первом исполнении «Ромео

и Джульетты» в Москве. Дирижировал Николай Рубинштейн. И хотя композитор

написал брату Анатолию, что это - лучшее из созданного им до тех пор,

после премьеры он все-таки решил переработать сочинение. Несмотря на

восторженные отзывы, композитор был не вполне удовлетворен своим

сочинением. В 1880 году он снова обратится к нему и будет совершенствовать

партитуру.

На сюжет шекспировской трагедии – «этот старый, но вечно новый», по

словам Петра Ильича, сюжет - он хотел написать и оперу, даже сделал уже

наброски центральной сцены - дуэта Ромео и Джульетты . Однако произведение

не было закончено.

Широко известными стали и все шесть романсов, написанные в ноябре 1869

года: «Не верь, мой друг», «Слеза дрожит», «Ни слова, о друг мой», «И

больно, и сладко», «Отчего?» и «Нет, только тот, кто знал» (последний

романс упоминает И.С.Тургенев в повести «Клара Милич»).

Эти романсы (не считая трех юношеских) положили начало камерной

вокальной лирике композитора - жанру, в котором он плодотворно работал всю

жизнь и сочинил более ста произведений, составивших целую эпоху в русской

музыке и исполненных поэтичности и выразительности мелодического начала.

Еще в декабре 1872 года на заседании музыкального комитета при

театральной дирекции Мариинского театра Петр Ильич проиграл законченную им

оперу «Опричник», над которой начал работу зимой 1869 года. Новое

произведение получило единогласное одобрение, и было принято к постановке.

На премьеру, состоявшуюся 12 апреля 1874 года, приехал профессорский

состав Московской консерватории вместе с Николаем Григорьевичем

Рубинштейном. Присутствовал весь музыкальный Петербург. Опера была хорошо

принята, С успехом проходили и следующие спектакли в Петербурге. Слушателей

привлекали большие хоровые сцены и яркие музыкальные образы, страстный,

пылкий Андрей, нежная, трогательная и вместе с тем волевая Наталья, сильная

духом мать Андрея - боярыня Морозова.

Испробовав свои силы в жанре народно-бытовой оперы «Воевода», лирико-

фантастической «Ундина», в своей третьей опере композитор обратился к

трагедийному жанру. В основе сюжета, созданного по трагедии И. И.

Лажечникова «Опричник»,- конфликтные, остродраматические ситуации, в

которых раскрывается трагическая судьба молодого опричника Андрея Морозова,

вступившего в неравную борьбу с грозным царем, отстаивая любовь и честь

своей невесты Натальи.

26 июля того же 1874 года исполнение «Опричника» состоялось в Одессе с

участием артистов Мариинского театра. Это была первая постановка оперы

Чайковского в провинции, и композитор стал свидетелем ее успеха -

исключительного и даже триумфального.

Вскоре после премьеры «Опричника», весной 1875 года, дирекция

императорских театров заказала композитору балет. Стесненный в средствах,

Петр Ильич принял заказ - работу нужно было закончить к весне следующего

года. Но не только материальные соображения привели его к согласию, а,

прежде всего давнее желание «попробовать себя в этого рода музыке». Он

решительно берется за сочинение балета, потому что внутренне чувствует себя

подготовленным к этому.

За годы, прошедшие после сочинения «Ундины», Чайковский убедился, что

фантастический элемент в опере не вдохновляет его. Но в жанре балета он

представлялся композитору не только возможным, но и необходимым (что

подтвердится дальнейшим выбором сюжетов для других балетов – «Спящая

красавица», «Щелкунчик»). Миру волшебных образов был посвящен детский

одноактный балет «Озеро лебедей», который Петр Ильич сочинил в 1871 году

для своих племянников, когда гостил у сестры в Каменке.

Более других привлекал Петра Ильича балет А. Адана «Жизель», в музыке

которого фантастика органически сочеталась с лиризмом. Образцом же для него

были танцевальные сцены в операх Глинки: волшебные танцы в саду Черномора

из «Руслана и Людмилы», полонез, мазурка и краковяк из «Ивана Сусанина»,

представлявшие собой законченные музыкальные произведения.

Новаторство «Лебединого озера» - необычность и непохожесть его на

предшествующее - если и было не до конца сразу понято, то сразу же отмечено

и публикой и критикой, хотя порой и вызывало недоумение просвещенных

меломанов. Одни упрекали композитора в бедности творческой фантазии,

однообразии тем и мелодий, в некоторой монотонности. Другие считали, что

музыка прекрасна, более того - даже слишком хороша для балета. Тем не

менее, премьера балета в московском Большом театре (20 февраля 1877) прошла

с успехом, и спектакль стоял в репертуаре до 1883 года, когда пришли в

полную негодность декорации этой постановки.

Первоначальное либретто «Лебединого озера» В.П.Бегичева и В. Ф.

Гельцера несколько отличалось от либретто, которое сделал Модест Ильич в

1895 году для новой постановки балета в Мариинском театре (созданная

Л.И.Ивановым и М.М. Петипа, она стала классикой мировой хореографии).

Так, в первом варианте добрый волшебник превращает Одетту и ее подруг

в лебедей, чтобы охранить их от «злых козней» ведьмы, Мачехи-совы. Одетту

защищает талисман-корона: пока корона на голове девушки-лебеди, ничто не

угрожает ее жизни. Не зная этого, принц, изменивший Одетте по злой воле

ведьмы, приходит искупить свою вину, но, срывая корону с головы своей

возлюбленной и думая этим удержать любовь девушки, он невольно губит ее.

Когда Одетта умирает, то принц гибнет вместе с ней в волнах озера во время

бури и наводнения.

У М. И. Чайковского содержание балета изложено иначе: лебеди -

принцесса Одетта с подругами, - заколдованные злым гением, лишь ночью

принимают вид девушек. Спасти Одетту может только преданная любовь. Увидев

девушек-лебедей на охоте, принц Зигфрид полюбил Одетту и решил стать ее

спасителем. Но злой гений привел на торжество выбора невест свою дочь

Одиллию, придав ей облик Одетты. Зигфрид выбирает ее себе в невесты:

изменив Одетте, он оставляет девушку навсегда во власти злого гения. Одетта

бросается в озеро, а Зигфрид, узнав о своей роковой ошибке и о гибели

Одетты, закалывается. Так любовь побеждает злые козни. Это содержание

сохранилось и в современных постановках балета. За исключением трагической

развязки. Гибель Одетты и Зигфреда заменена торжествующей победой принца в

единоборстве со злым гением - Ротбартом, лебеди превращаются в девушек.

Такое окончание в принципе не разрушает авторской концепции: и в том, и в

другом случае любовь торжествует над злобными силами и оказывается сильнее

смерти. В музыке балета композитор раскрывает глубокие человеческие

чувства, сложную гамму душевных состояний во всём их многообразии,

противоречивости.

Несмотря на фантастический сюжет, «Лебединое озеро» воспринимается как

настоящая драма, правдиво рассказывающая о реальных и глубоких чувствах, и

волнует она не меньше, чем подлинная лирическая драма - опера «Евгений

Онегин».

Опера «Евгений Онегин», написанная для консерваторского спектакля в

Москве, вскоре была поставлена в театре, а затем завоевала мировое

признание. Свежесть и изящество, тонкая отделанность, мелодическое

богатство и проникновенная ритмичность — основные черты музыки Чайковского.

Особенно ярко они проявились в его симфонических поэмах «Ромео и

Джульетта», «Буря», «Франческа да Римини».

Как нередко бывало прежде, не успев окончить какое-либо произведение,

Петр Ильич начинал работу над следующим (один замысел сменялся другим,

приходили новые заказы), так случилось и теперь. Еще не завершив балет, он

уступил просьбе редактора и издателя петербургского журнала «Нувеллист»,

Н.М.Бернарда, и начал сочинять цикл пьес для фортепиано «Времена года».

В истории мировой фортепианной литературы было немало произведений, в

которых авторы «звукописали» картины природы, сельские пейзажи. Петр Ильич

был знаком с фортепианными циклами Р.Шумана («Детские сцены», «Лесные

сцены», «Бабочки»), Ф. Листа («Годы странствий», «Альбом путешественника»),

Ф. Мендельсона («Песни без слов»). Он и сам уже писал подобные сочинения:

«Развалины замка» и пьесы в сборнике «Детский альбом». В предложенном ему

цикле «Времена года», ставшем уникальном в своем жанре, композитора

привлекала возможность выразить свою любовь к русской природе, которую он

любил, по его словам, больше всякой другой, родной земле, людям, быту с

праздничными обрядами и трудовыми буднями. Двенадцать пьес цикла - картины

русского быта в разное время года - создают лирическое настроение. При

печатании пьес названия месяцев не указывались. Эпиграфы к пьесам подбирал

сам издатель, обратившись к произведениям русских поэтов, на стихотворениях

которых композитор наиболее часто писал свои романсы: В.А.Жуковского,

А.Н.Майкова, Н.А.Некрасова, А.Н.Плещеева, А.С. Пушкина, А.К.Толстого,

А.А.Фета.

Чайковский много путешествует, подолгу живет за рубежом - в Швейцарии,

Италии, в Париже, других городах Западной Европы. Его творческие интересы

становятся шире и разнообразнее, о чём говорят большинство крупных

произведений композитора: оперы «Орлеанская дева» (1879), «Мазепа» (1883),

«Чародейка» (1887), программная симфония «Манфред» ( по Байрону, 1885),

Пятая симфония (1888). Эти «годы странствий» стали для композитора периодом

«накопления новых и новых творческих сил, художественного мастерства и

мудрости».

Имя Чайковского становится известно во всем мире, его произведения

исполняются в Европе и Америке, иногда даже раньше, чем в России.

В то же время, когда Пётр Ильич начал сочинение «Пятой симфонии», он

получил от И.А.Всеволожского письмо с предложением написать балет «Спящая

красавица». А к августу либретто будущего балета, составленное самим

Всеволожским, было готово.

Сюжет сказки, написанной почти двести лет назад французским писателем

Шарлем Перро, показался композитору «так поэтичен, так благодарен для

музыки», что по приезду в Петербург в начале ноября он сразу же встретился

с Иваном Александровичем для переговоров и вскоре начал с увлечением

работать над новым произведением.

В этом фантастическом мире образов Чайковского привлекала прежде всего

возможность снова воплотить в музыке вечную проблему реальной жизни: борьбу

Добра и Зла, победу светлых идеалов Красоты, Радости, Любви.

Премьера балета в петербургском Мариинском театре прошла с триумфом.

Постановку осуществил Мариус Петипа. В откликах на новый балет отмечалось,

что «Спящая красавица» - «самое крупное явление в музыкально-театральной

области». Некоторые критики упрекали композитора в «излишней симфонизации»

музыки.

В последний период жизни (1887 -1893 гг.) композитор создал наиболее

трагическое произведение - оперу «Пиковая дама».

«В настоящее время я осуществляю неслыханный подвиг: шесть недель тому

назад я приехал сюда с оперным либретто в кармане, а через два месяца

нужно, чтобы все было закончено. Я работаю со страстью и бесконечным

наслаждением, так как сюжет мне нравится, есть настроение работать...», -

писал Чайковский Арто из Флоренции 25 февраля 1890 года.

Работая вместе с братом над либретто, Петр Ильич особое внимание

обращал на краткость и лаконизм в изложении, стремясь избежать многословия.

«Пиковую даму» Чайковский создавал как монооперу: через образ Германа

- героя драмы, - как сквозь призму «пропускал» все события и развитие

действия.

Начав писать оперу 19 января 1890 года, Петр Ильич уже через сорок

четыре дня (3 марта - срок небывалый!) окончил эскизы. Вслед за этим в

течение месяца был сделан клавир, а к 8 июня и вся оркестровка. В августе

весь нотный материал «Пиковой дамы» был передан в дирекцию театров. Вместе

с ним Петр Ильич привез в Петербург еще одну партитуру - секстет

«Воспоминания о Флоренции», который начал сочинять сразу же после окончания

оркестровки оперы.

В 1892 году были написаны опера «Иоланта» и балет «Щелкунчик».

В «Иоланте» продолжились поиски композитора в создании лирико-

психологической драмы. Здесь, вслед за «Пиковой дамой», Чайковский

сконцентрировал многое, типичное для своего оперного и симфонического

мышления. Прежде всего - идею и трактовку сюжета оперы, а также приемы

музыкальных характеристик действующих лиц, принципы музыкальной

драматургии. В «Иоланте» он также воплощает светлые образы, «порыв к

счастью». Главная ее тема, которую композитор называет «мотивом света»,

определяет неуклонное движение в музыке от тьмы к свету: от мрачности

таинственной интродукции (вступления) к дуэту Иоланты и Водемона «Чудный

дар природы вечной» и финалу оперы - ликующим гимнам в честь радости жизни.

В основу музыки двухактного балета-феерии «Щелкунчик» легла

подробнейшим образом разработанная программа Мариуса Петипа, созданная по

сюжету сказки Э.Т.А. Гофмана и А.Дюма-отца. Сказка о Добре и

Справедливости нашла свое выражение в жанре лирико-характеристического

балета, где классический танец чередуется с характерным танцем и

пантомимой, где еще большую роль играет симфонизация, насыщение

танцевальной музыки подлинно симфоническими и оперными приемами развития

музыкальных образов, а содержание - внутренним психологизмом.

Из симфоний особо выделяется последняя, Шестая, написанная незадолго до

смерти и пронизанная предчувствием надвигающейся трагедии.

Балеты Чайковского («Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик»)

вошли в мировую балетную классику. Чайковский написал более ста романсов,

много других произведений. Все их трудно перечислить. Музыка его, в

европейских одеждах и с русской душой, — гордость России и достояние всего

мира.

Заключение

Вся жизнь и творческая деятельность великих мастеров культуры

раскрывается будущим поколениям в их наследии. Наследие художников,

композиторов, музыкантов, посвятивших себя служению искусству - поражает

исключительной многогранностью и разносторонностью.

Их произведения учат доброте, пониманию прекрасного в жизни, в

природе, в искусстве. Она учат любить свою Родину, осмысливать и ценить ее

историю, ее достояние и ценности. Они помогают формированию гармоничной

личности человека.

Вторая половина XIX века — время окончательного утверждения и

закрепления национальных форм и традиций в русском искусстве. Наиболее

успешно это произошло в музыке, менее успешно — в архитектуре. В живописи

«русская тема» выражалась в жанровых сценках из крестьянской жизни, в

исторических полотнах Репина и Сурикова, в пейзаже «проселочной России».

Русская культура не замыкалась в национальных рамках, не отделялась от

культуры остального мира. Достижения зарубежного искусства находили отклик

в России. В свою очередь русская культура (прежде всего литература и

музыка) получила всемирное признание. Русская культура заняла почетное

место в семье европейских культур.

Литература:

1. Романтизм в России

2. Русская Национальная живопись конца XIX века

3. Культура и быт России конца XIX века

4. Большая Энциклопедия K&M

5. История России

Страницы: 1, 2