Культура России во второй половине 18 века

была посылка русских мастеров на учебу в Западную Европу. Так многие

русские мастера получили высокую подготовку во Франции, Голландии, Италии,

Англии, Германии. Я думаю, что именно на этом этапе русское искусство

вступило в более тесное соприкосновение со стилевыми тенденциями,

выработанными в западноевропейском искусстве нового времени, через которые

предстояло пройти свой путь и ему. Однако поначалу процесс перестройки

художественного сознания русских мастеров протекал с большими трудностями,

в методе их работы еще сказывались традиционные представления, законы

средневекового творчества в форме монументально-декоративных росписей и

иконописи.

Идея основания в России своей школы разных художеств появилась еще

при Петре I, который дал указание о разработке проекта такой Академии, хотя

прошло еще не мало времени, прежде чем удалось реализовать эту идею.

Поначалу подготовка мастеров велась в различных местах и городах. Это была

и Петербургская типография, и Оружейная палата в Москве, однако

необходимость дальнейшего развития художественной школы стала особенно

очевидной в середине XVIII века. И в 1757 г., в Петербурге состоялось

открытие Академии трех знатных художеств. Уже в 1758 г. стараниями М.В.

Ломоносова и И.И. Шувалова (президент Академии 1757 г. –1763 г.) сюда

прибыла группа московских и петербургских юношей, склонных к художествам.

Преподавание в Академии вели и иностранные учителя: скульптор Н. Жилле,

живописцы С. Торелли, Ф. Фонтебассо и др., которым многим обязана русская

культура. В 1764 г. Академия трех знатных художеств была преобразована в

Российскую императорскую Академию художеств. В это время Академия

становится и законодателем художественных идей, и учебным заведением. В ее

среде выросло новое поколение художников, прославивших впоследствии Россию

на весь мир, это были и архитекторы И. Старов, В. Баженов, скульпторы Ф.

Шубин, Ф. Гордеев, художники А. Лосенко, Д. Левицкий и др. С основанием

Академии художеств эпизодические поездки русских учеников за границу

превращаются в постоянную практику учебы и работы за границей, которой

удостаивались лучшие выпускники.

Во второй половине XVII столетия вместе с другими видами искусства в

России, живопись переживает серьезные изменения. В определенной мере они

подготавливают те коренные реформы, которые происходят в ней в начале XVIII

века. Вступая на позиции искусства нового времени со значительным

запозданием по сравнению с другими передовыми в художественном отношении

европейскими странами, русская живопись по-своему отражает общие

закономерности этой стадии развития. На первый план выдвигается светское

искусство. Первоначально светская живопись утверждается в Петербурге и

Москве, но уже со второй половины XVIII века получает значительное

распространение в других городах и усадьбах. Традиционное ответвление

живописи – иконопись по-прежнему широко бытует во всех слоях общества.

Русская живопись развивалась на протяжении всего XVIII века в тесном

контакте с искусством западноевропейских школ, приобщаясь к всеобщему

достоянию – произведениям искусства эпохи Ренессанса и барокко, а также

широко используя опыт соседних государств. Вместе с тем. Как уже давно

установили исследователи, искусство в целом и живопись в частности, на

протяжении всего XVIII века связаны единой направленностью и имеют ярко

выраженный национальный характер. В этот период в России творили величайшие

мастера своего дела – представители отечественной художественной школы и

иностранные живописцы. Наиболее интересным явлением в искусстве петровской

эпохи стал портрет. У истоков портретной живописи нового времени стоит И.

Н. Никитин (ок. 1680 – 1742

Живопись последних десятилетий XVIII века отличается значительным

разнообразием и полнотой. В первую очередь это обусловлено основанием

Академии художеств. Русская школа овладевает теперь теми жанрами живописи,

которые прежде были представлены лишь работами старых и современных

западноевропейских мастеров. Наиболее крупные достижения русской живописи

последних десятилетий XVIII века связаны с искусством портрета. Творчество

Ф. С. Рокотова (1735-1808) составляет одну из самых обаятельных и

труднообъяснимых страниц нашей культуры. Уже в довольно зрелом возрасте он

был принят в Академию художеств. Его ранние произведения – портреты Г. Г.

Орлова (1762-1763 гг.), Е. Б. Юсуповой (1756-1761 гг.) свидетельствуют о

его причастности к культуре рококо. Признаки этого стиля есть и в

коронационном портрете Екатерины II (1763 г.), ставшей образцом для

изображения весьма взыскательной императрицы. Еще много портретов вышло из-

под кисти художника – поэт В. И. Майков (1769-1770 гг.), почти все

семейство Воронцова – он сам (конец 1760-х), его жена М. А. Воронцова и

дети (1770-е). В период восьмидесятых годов восемнадцатого века в портретах

Ф. С. Рокотова преобладает оттенок горделивого сознания собственной

значимости, к этому периоду относят: портрет молодой генеральши В. Е.

Новосильцевой (1780 г.), знатной дамы Е. Н. Орловой. Современником Рокотова

был Д. Г. Левицкий (1735-1822 гг.). Сын священника Левицкий родился на

Украине. Его отличает умение передавать внешнее сходство модели в сочетании

с её психологическим образом. Около 20 лет Левицкий возглавлял портретный

класс Академии художеств и не только участвовал в воспитании целой школы

русских портретистов, но задавал тон и уровень высокой репутации

портретного искусства в России. Сфера его живописи шире, чем рокотовская.

Ему одинаково хорошо удавались и камерные портреты и парадное изображение в

рост. Неудивительно, что круг его заказчиков весьма обширен. Это и богач

Демидов, чью картину он нарисовал в 1773 г., и светская красавица Урсула

Мнишек (1782 г.), и итальянская актриса Анна Давиа-Бернуци (1782 г.).

Важное место в творчестве Левицкого занимает работа над портретом Екатерины

II, получившим отражение в «Видении Мурзы» Г. Р. Державина. Возвышенная,

мифологизированная интерпретация не могла не нравиться императрице, которая

более чем внимательно относилась к своим изображениям.

В. Л. Боровиковский (1757-1825 гг.) как бы замыкает плеяду крупнейших

русских портретистов XVIII века. Боровиковский, как и Левицкий, родом с

Украины. Родился в семье казака. Начинал он церковным иконописцем. Уже в

первые петербургские годы он сблизился с кружком, возглавляемый Н. А.

Львовым, и неоднократно портретировал близких к этому обществу лиц.

Довольно быстро при поддержке друзей, знакомых и пользовавшегося успехом

при дворе австрийского живописца И. Б. Лампи, Боровиковский становится

популярным среди широкого круга петербургского дворянства. Художник

портретирует целые семейные «кланы» - Лопухиных, Толстых, Арсеньевых,

Гагариных, Безбородко, распространявших его известность по родственным

каналам. К этому периоду его жизни относятся портреты Екатерины II, ее

многочисленных внуков, министра финансов А. И. Васильева и его жены. На

него обратила внимание Екатерина: он в 1783 г. украшал в Кременчуге дворец,

предназначавшийся для коронованной путешественницы. Преобладающее место в

творчестве Боровиковского занимают камерные портреты. Полотна художника

очень нарядны благодаря грациозной постановке моделей, изящным жестам и

умелому обращению к костюму. Герои Боровиковского обычно бездеятельны,

большинство моделей пребывает в упоении собственной чувствительностью. Это

выражают и портрет М. И. Лопухиной (1797 г.), и портрет Скобеевой (середина

1790-х г.), и изображение дочери Екатерины II и А. Г. Потемкина – Е. Г.

Темкиной (1798 г.). Большое внимание художник уделяет малоформатным и

прекрасно удавшимся ему миниатюрным портретам. Так же Боровиковский – автор

ряда двойных и семейных групповых портретов, которые появляются уже после

1800-х гг. Из всего вышеперечисленного можно сделать вывод, что на

протяжении всего XVIII века русское искусство живописи прошло большой путь

становления по законам нового времени. Потребности эпохи получили отражение

в преимущественном развитии светской живописи – портрета, пейзажа,

исторического и бытового жанров.

В XVIII веке в России происходил небывалый размах развития ваяния

появления новой, западноевропейского типа скульптуры, какой еще не знала

Россия. Заметную стилевую перемену в развитии русской пластики принесла

новая эстетика классицизма эпохи Просвещения. Важную роль в освоении

классической скульптуры в России сыграл приглашенный на русскую службу

французский скульптор Н. Жилле, долгое время возглавлявший скульптурный

класс Академии. Школу Н. Жилле, заложившую основы классического ваяния в

России, прошли все ведущие русские скульпторы второй половины XVIII-века,

окончившие Петербургскую Академию художеств: Ф. Гордеев, М. Козловский, И.

Прокофьев, Ф. Щедрин, Ф. Шубин, И. Марос и другие. Рассмотрим наиболее

известные работы и стилевые тенденции этих и некоторых других выдающихся

скульпторов того времени. Наиболее полно овладевает принципами зрелого

классицизма Иван Мартос (1752-1835 гг.). Он создает вполне классические

произведения, заметно отличающиеся чистотой и ясностью своей формы от работ

других мастеров. После окончания Академии художеств Мартос для

совершенствования мастерства едет в Рим. Где непосредственно соприкасается

с античной скульптурой. Мартос – мастер широкого диапазона, обращавшийся к

разнообразной тематике. Особенно заметный след он оставил в разработке темы

классического надгробия и городского монумента. Он был известен и как

великолепный мастер декоративно-лепных работ, пробовал заниматься

портретом. Его дарование как монументалиста в полной мере раскрылось в

памятнике Минину и Пожарскому в Москве, ставшем эталонным произведением –

он нашел новые пути соединения монументальной пластики не только с

классическими зданиями, но и с пространственным городским ансамблем,

превзойдя всех своих предшественников. Последователен в своей эволюции к

классицизму был и Иван Прокофьев (1758-1828 гг.). По сравнению с другими

мастерами у Прокофьева сильнее чувствуется сентименталистская струя,

придавшая особую мягкость и лиризм его образам. Самое лучшее в его наследии

– это рельефы, созданные для петербургской Академии художеств, в которых он

достигает исключительного совершенства формы в выражении величавой тишины,

гармонирующих с классическим строем интерьера. В этом же контексте

развивалось и искусство скульптора Федота Шубина (1740-1805 гг.). Благодаря

своему упорству и способностям он оказывается в Петербургской Академии

художеств, где начинается блестящий расцвет его таланта. Ф. Шубин

становится непревзойденным мастером скульптурного портрета. Он выполнил

множество заказных портретов, бюстов. Это были бюсты А. М. Голицына, З. П.

Чернышева и других известных деятелей екатерининской эпохи. К концу XVIII-

века намечались и новые формы образного выражения в виде

сентименталистских, а затем и романтических настроений. Характерны в этом

отношении бюсты П. В. Завадовского и А. А. Безбородко (1798 г.), также

выполненные Шубиным. Вместе с тем в поздних работах художника заметна и

другая тенденция- усиливается конкретизация портретного образа, а в стиле

нарастают черты строгости и простоты. Этими признаками обладают зрелые

работы Шубина: бюсты Г. А. Потемкина (1791 г.), Е. М. Чулкова (1792 г.), М.

В. Ломоносова (1793 г.), и др. Ф. Шубин показал своих современников в

неповторимости индивидуальных особенностей их характера и склада души.

Шубинский талант обусловил объективность и глубину его произведений,

отразивших все многообразие и противоречивость эпохи. Художником одного

творения (созданного для России) можно назвать французского скульптора Э. М

Фальконе (1716-1791 гг.). Созданная в России им всего одна работа «Медный

всадник» принесла ему славу великого мастера. Стремление к максимальному

обобщению толкало на путь отвлеченного от конкретности истолкования

памятника: гранитная скала постамента в виде морской волны, вздыбленный

конь и растоптанная змея становятся олицетворением тех препятствий и

враждебных сил, которые приходилось преодолевать Петру I. В результате

родился символ, ставший олицетворением не только великих деяний Петра, но и

преобразованной им России.

5. Архитектура, музыка, театр в России II пол. XVIII в.

Своеобразно нарастает и динамика стилевого развития русской

архитектуры XVIII века. В стране, с запозданием выходившей на

общеевропейский путь развития, освоение западноевропейских стилей неизбежно

протекает ускоренными темпами, причем уже на начальной стадии развития, в

петровскую эпоху, существуют зачатки всех стилевых линий, через которые

предстояло пройти русской архитектуре на протяжение века. Сущность

переходного времени выражалась состоянием многостилья, когда русское

искусство образно говоря «примеряло» себя к разным европейским стилям, еще

не сделав окончательного выбора, совмещая в себе черты барокко, классицизма

и рококо. Углубление разделения труда, формирование всероссийского рынка

рост промышленности и торговли приводит к тому, что в феодальной по укладу

еще стане растут и крепнут элементы новой, капиталистической формации,

усиливается значение городов в жизни страны в целом.

Эпицентром передовых веяний в архитектуре и градостроительстве стала

российская столица Санкт-Петербург – ровесница века, задуманная как образец

новой культуры. Будущая столица возводилась на пустом месте, что во многом

облегчало внедрение приемов регулярной планировки и застройки. В небывалых

ранее масштабах использовался опыт иностранных специалистов, были

мобилизованы материальные и людские ресурсы всей страны. В первые годы

существования Санкт-Петербурга развернулось широкое мазанковое

строительство. В ходе строительства мастера осваивали деревянные

конструкции так называемого «прусского образца» т. е. облегченный характер

стен, плоские перекрытия в хозяйственных, общественных и жилых строениях.

Технической новинкой Петербурга явились необычайно высокие шпили, венчающие

важнейшие городские здания, что было широко распространено в северно-

европейских странах. Выдающимся сооружением такого типа был шпиль

Петропавловского собора, высота которого достигала 45 м. С размахом же

каменного строительства усовершенствовались и его инженерные основы, стало

возможно уменьшить толщину стен строившихся зданий без существенного

снижения прочности зданий. Например, во дворце А. Меньшикова на

Васильевском острове толщина стены в верхних этажах всего в полтора или

даже в один кирпич. В этот период в Петербурге было налажено производство

как обычного кирпича, так и особого, влагоустойчивого, по голландской

рецептуре. Все это не замедлило дать результаты. Город был создан в

рекордные сроки - временный деревянный Петербург быстро сменился каменным.

К концу царствования Петра I он уже удивлял приезжих иностранцев величием и

красотой. В созданном в 1751 г. труде о Петербурге автор имел основание

записать: «сей град столько распространен, приукрашен и возвеличен, что

перед многими великими и древностью превозносящимися городами в Европе

имеет знатное преимущество». В Петербурге впервые был разработан регулярный

план застройки города и ставший градообразующий его основой. План П. М.

Еропкина (1737) и последующие за ним проекты закрепили эту закономерность

развития города. Качественно новое лицо приобрели и петербургские площади.

Они получили географические очертания с обстройкой их протяженными фасадами

гостиных домов, коллегий и других общественных зданий. Так выглядела

Троицкая площадь на Петроградской стороне. В середине века усилившаяся

стилевая тенденция к скульптурной экспрессии форм сказалась на силуэте

Петербурга, обогатившегося множеством новых, высоко поднятых колоколен и

церквей. Причем в их виде вместо шпилей появились, подчеркнуто национальные

мотивы пятиглавия, ярусности, башнеобразности, отчего силуэт города получил

новые объемно-пластические акценты и несвойственные ему ранее живописный

характер. «Регулярная» российская столица Петербург становится

символическим воплощением образа самой абсолютистской империи с ее идеей

всеобщего порядка. Сферой, где также обретался опыт регулярного

регламентированного строительства, были основанные в первой половине века

«города-крепости» и «города-заводы». Особое значение имел опыт

строительства Таганрога, Воронежа, Азова, перепланировки таких городов как

Оренбург, Тверь и многих других.

Неоценимую роль в этом сыграли великие русские и иностранные

архитекторы. Одним из известнейших представителей западной архитектурной

школы, работавший в России был Растрелли Франческо Бартоломео (1700-1771

г.), сын итальянского скульптора К. Ф. Растрелли, служившего при дворе

французского короля Людовика XIV, однако архитектурно-строительный опыт

приобрел в России; будучи одаренным художником, он сумел проявить себя как

искусный зодчий и занял наивысшее в архитектурном мире России положение

«обер-архитектора». Его творчество достигло апогея в 1740-1750 г. Наиболее

известные его творения - это и ансамбль Смольного монастыря в Петербурге

(1748-1764 г.), созданный в традициях русских монастырских ансамблей

предыдущих столетий, и дворцы елизаветинских вельмож М. И. Воронцова и С.

Г. Строганова в Петербурге, но в наивысшей степени его талант проявился в

создании таких шедевров как Зимний дворец (1754-1762 г.) в столице, Большой

дворец в Царском Селе и Петергофе (Петродворце), и многом другом. Все они

ярко характеризуют стиль барокко середины XVIII века и эволюцию творчества

замечательного зодчего. Еще одним ярким иностранным представителем

работавшим в России был Антонио Ринальди (1710-1794 г.). В своих ранних

постройках он еще находился под влиянием «стареющего и уходящего» барокко,

однако в полной мере можно сказать, что Ринальди представитель раннего

классицизма. К его творениям относятся: Китайский дворец (1762-1768 г.)

построенный для великой княгини Екатерины Алексеевны в Ораниенбауме,

Мраморный дворец в Петербурге (1768-1785 г.), относимый к уникальному

явлению в архитектуре России, Дворец в Гатчине (1766-1781 г.) ставший

загородной резиденцией графа Г. Г. Орлова. А. Ринальди выстроил также

несколько православных храмов, сочетавших в себе элементы барокко -

пятиглавие куполов и высокой многоярусной колокольни. Известным русским

представителем эпохи раннего классицизма в архитектуре был ученик

архитектора Коробова – Кокоринов А. Ф. (1726-1822 г.). К известным его

произведениям, где с наибольшей отчетливостью проявился стиль классицизма

принято относить здание Академии художеств в Петербурге, выстроенного на

Невской набережной Васильевского острова (1764-1788 г.). Необычайно

красивый фасад и многофункциональные кабинеты и залы этого здания

соответствовали все возрастающему престижу русского искусства. Известным

московским архитектором, украсившим облик Москвы по праву считается Баженов

В. И. (1737-1799 г.). Начальные познания в зодчестве он получил в

архитектурной школе Д. В. Ухтомского и в гимназии Московского университета.

Дипломат Французской академии художеств, присвоение звания профессора

Римской национальной академии искусств, членство во Флорентийской и

Болонской академиях художеств - поистине мировое признание его таланта. По

возвращении в Петербург (1765 г.) В. И. Баженова избрали академиком

Петербургской Академии художеств, а в 1799г. он стал ее вице-президентом. К

первым работам В. И. Баженова относятся строительство здания петербургского

Арсенала (ныне не существует) и до сих пор не разгаданный проект Смольного

института (не осуществлен). С 1767 г. все внимание широко образованного

зодчего поглотило ответственное поручение – проектирование и строительство

колоссального сооружения – Большого Кремлевского дворца и здания коллегий

на территории Московского Кремля. В связи с этим в 1768 г. была создана

специальная Экспедиция кремлевского строения, главным архитектором которой

был назначен В. И. Баженов. В его архитектурную команду вошли известнейшие

проектировщики того времени, одним из которых был величайший впоследствии

архитектор – М. Ф. Казаков. Новый дворец был задуман таким грандиозным

(соответственно престижу великого государства), что мог скрыть за собой

древние строения Соборной площади, а это бы нарушило традиционный облик

Кремля, именно по этому своей "Инструкцией к строительству..." сам Баженов

провозгласил необходимость сбережения древних построек Кремля. В 1772 г.

были завершены все проектные работы, а 1 июня 1773 г. произведена

официальная закладка дворца. В. И. Баженов писал: «народы европейские,

узрев восставший из недр земных новый Кремль, объяты будут удивлением

величавости и огромности оного и не увидят уже красот своих собственных

великолепий». Однако дальше торжественной закладки строительство дворца

дело не пошло, и в 1775 г. была даже распущена архитектурная команда В. И.

Баженова. Широко разрекламированный проект и строительство дворца были

средством укрепления государственного престижа Екатерины II, которая

стремилась показать, что Россия под ее властью способна вести изнурительную

войну и одновременно затевать грандиозное строительство. И тем не менее,

несмотря на то, что выдающийся замысел В. И. Баженова осуществлен не был.

его значение для русской культуры было весьма велико, и прежде всего для

окончательного утверждения классицизма как основного стилистического

направления в развитии отечественного зодчества. Кроме того, на проекте

перестройки Кремля, прошли профессиональную подготовку многие известные

мастера. Отказ от строительства, В. И. Баженов перенес стоически, неудачи

не сломили зодчего. Он занялся разработкой проектов частных строений по

заказам московского дворянства. К наиболее значимым строениям этого периода

стоит отнести ансамбль усадьбы и господского дома Пашкова в Москве (1784-

1786 г.), неподалеку от Кремля. Это определило компактную и в высшей

степени оригинальную планировочную композицию. При проектировании дома

Пашкова Баженов выступил блестящим последователем идей французского

классицизма. Из усадебных городских домов в Москве, созданных в последний

период жизни Баженовым, следует отметить дом Юшкова на Мясницкой.

Завершением творчества В. И. Баженова предстает проект строительства

Михайловского замка в Петербурге, однако, закончить его Баженову не

удалось, и со значительными изменениями дворец был достроен архитектором В.

Ф. Бренном. Еще один выдающийся русский архитектор – Казаков М. Ф. Свое

образование он получил в архитектурной школе Д. В. Ухтомского в Москве,

большую роль в развитии природного дарования М. Ф. Казакова сыграла работа

в Твери, а затем семилетнее пребывание а архитектурной команде В. И.

Баженова в период работы над проектом Большого Кремлевского дворца.

Творческим кредо сформировавшегося Казакова был классицизм в его строгом

проявлении. Ярким примером этому служит огромное здание Сената в Московском

Кремле, искусно сооруженное им в 1776–1787 г. Можно предположить, что

характер архитектурного решения этого здания был навеян архитектурой

неосуществленного Кремлевского дворца В. И. Баженова. Следующим крупным

общественным зданием, возведенным Казаковым в Москве, было четырехэтажное

здание Университета на Моховой улице (1786 – 1793 г.). Это здание является

прекрасным образцом классицизма, соответствующее престижу русской науки,

имеющее строгий и репрезентативный вид. Важное место в архитектуре

московского классицизма и в творчестве М. Ф. Казакова занимает известное

общественное здание – дом Благородного Собрания, мастерски перестроенный

архитектором. Также Казаковым была выстроена церковь Филиппа Митрополита на

Второй Мещанской улице (1777-1788 г.). В строительстве мастер так же

использовал классическую круглую композицию применительно к православному

храму. Еще очень и очень многие выдающиеся русские и иностранные зодчие

трудились на благо России, именно их стараниями по красоте городов и

величию зданий, Россия в XVIII встала в один ряд с западноевропейскими

странами.

Еще множество прекрасных мастеров творило в этот период, и как бы

подводя итог этой эпохи, хотелось бы отметить, что XVIII век стал временем,

благоприятствующим развитию русской культуры, определив две основные ее

линии: профессиональную, ориентированную на общеевропейский путь, и

местную, продолжающую развивать традиции народного творчества.

Богатые помещики создавали в своих имениях театры, в которых играли

крепостные актеры. Прекрасный театр был у графа Шереметева в подмосковном

дворце Останкино. И строителями дворца и актёрами театра были крепостные.

Их высокое искусство поражало современников.

В середине XVIII в. был основан первый русский постоянный публичный

театр. Его создание связано с именем выдающегося русского актера Федора

Григорьевича Волкова (1729— 1763). которого называют «отцом русского

театра». Родился Волков в небогатой купеческой семье в городе Костроме.

Потом он поселился в Ярославле, где и развернул свою замечательную

деятельность.

В 1750 г. Волков основал в Ярославле публичный театр. Слава об этом

театре достигла столицы, артистов вызвали в Петербург. Много мытарств

испытали артисты, пока наконец правительство издало указ об учреждении в

1756 г. в Петербурге «Русского для представления трагедий и комедий

театра». Руководителем театра сначала был писатель Сумароков, а потом

Волков. Красивый, с живым, открытым лицом и прекрасным голосом, Волков

завоевал широкую славу исполнением трагических ролей. Нередко это были роли

борцов против тирании. Он сыграл множество героических ролей. Современники

отмечали, что и в комедиях Волков выступал с большим успехом. Талант его

как актера был поистине многогранен.

Волков был человеком выдающегося ума и демократических убеждений. Поэт

Фонвизин считал, что Волков мог бы быть «человеком государственным».

Кипучая и плодотворная жизнь актера рано оборвалась: он умер в возрасте 34

лет, простудившись во время маскарадного представления.

Влияние Волкова на последующее развитие театра в России было огромно.

Волков занимает почетное место в истории русской культуры.

Список используемой литературы

1. В. И. Пилявский, А. А. Тиц, Ю. С. Ушаков. «История Русской архитектуры.»

Стройиздат. 1984 г.

2. В. Н. Ткачев. «История архитектуры.» Высшая школа 1987 г.

3. А. Н. Петров. «Русская архитектура первой половины XVIII века.» 1954 г.

4. «История русской архитектуры.» Сов. Художник. 1956 г.

5. «Энциклопедический словарь русского художника.» Педагогика. 1983 г.

Страницы: 1, 2